Desde su inauguración en abril, la Expo de Osaka ha recibido a millones de visitantes de todo el mundo, constituyendo una verdadera muestra de innovación, arquitectura y diseño. Entre sus hitos destaca el Gran Anillo, obra del arquitecto japonés Sou Fujimoto, considerada la estructura arquitectónica de madera más grande del mundo. Bajo el lema de la Expo 2025 —Designing Future Society for Our Lives—, más de 150 países, a través de sus pabellones, han abordado temas clave para la arquitectura contemporánea, como la circularidad en la construcción, la memoria cultural, y la innovación y tecnología orientadas al futuro del entorno construido y sostenible.
En la Expo, cada pabellón nacional se ubica en parcelas que guardan relación con este gran anillo de madera. Entre ellos se encuentra el Pabellón de España. Tras ganar el concurso público organizado por Acción Cultural Española (AC/E), EXTUDIO, Enorme Studio y Smart and Green Design fueron los encargados de proyectar y construir La corriente de Kuroshio, un pabellón que rinde homenaje a una ruta marítima histórica que conectó España y Japón.
Cargado de simbolismos que aluden a ambos países —como el océano y el sol—, el proyecto destaca por sus múltiples aciertos tanto arquitectónicos como conceptuales, ofreciendo a sus visitantes una experiencia enriquecedora. Desde la llegada a una plaza de encuentro, pasando por el escalonado en tonos azules que simula adentrarse en la profundidad del mar, hasta la presencia y protagonismo del sol, el recorrido del pabellón se articula con coherencia junto al contenido temático de la exposición.
Artículo relacionado
Designing the Future, Again: What the 55-Year Return of the World Expo to Osaka RevealsEl pabellón fue concebido y desarrollado gracias a la colaboración de tres estudios madrileños con perfiles complementarios. EXTUDIO, liderado por Néstor Montenegro, aporta una sólida trayectoria que combina el proyecto arquitectónico con la difusión, la investigación y la docencia. ENORME Studio, dirigido por Rocío Pina Isla y Carmelo Rodríguez Cedillo, se distingue por su reconocimiento internacional y su trabajo interdisciplinario, que abarca desde arquitectura hasta diseño y exposiciones, con múltiples premios y exhibiciones en importantes eventos y museos. Finalmente, Smart and Green Design, fundado por Fernando Muñoz Gómez, se especializa en el diseño de experiencias inmersivas y arquitectura efímera, enfocándose en la sostenibilidad y en la integración entre entornos físicos y digitales, con una metodología propia para minimizar el impacto ambiental y un fuerte vínculo con la innovación tecnológica y cultural.
En conversación con los equipos de los tres estudios — Néstor Montenegro (NM), Rocío Pina Isla (RPI) y Fernando Muñoz Gómez (FMG) — profundizamos sobre el proceso de diseño y ejecución del Pabellón de España en la Expo Osaka 2025.
ArchDaily (Paula Pintos): ¿Cuáles fueron los parámetros iniciales y las referencias que guiaron el diseño del pabellón?
NM: Esta es la primera vez que Acción Cultural Española —el organismo que promueve los pabellones nacionales en exposiciones internacionales— convoca un concurso conjunto de arquitectura y contenidos expositivos. Para nosotros eso fue algo muy especial, porque nos permitió asociarnos con Fernando, que es especialista en estos temas, y también porque fue muy positivo para el pabellón: generó una relación directa entre la arquitectura y el contenido. El briefing que plantea Acción Cultural Española proponía, por un lado, trabajar en torno a los océanos, como una forma de posicionarnos en relación con Japón a partir de lo que nos une de manera evidente: el mar. Y, por otro lado, partíamos de un modelo clásico de edificio de Expo, con una gran superficie destinada a la exposición que, normalmente, quedaría vacía hasta que apareciera el contenido. En este caso, al trabajar desde el inicio con Fernando, esa relación ya estaba integrada desde el primer momento, lo que permitió abordar otras cuestiones o problemáticas de forma conjunta.
FMG: Algo interesante es que las bases eran muy abiertas, cosa que no suele ser habitual. Y eso te da mucha libertad. El briefing era bastante genérico, lo cual permitía que cada propuesta encontrara una línea propia. El tema central era la economía azul y la relación de ambos países con los océanos, no solo como una mirada al presente, sino como una propuesta hacia el futuro. A partir de ahí, había también dos o tres ideas clave sobre España. Una de ellas tenía que ver con el turismo, que es muy importante, porque nuestro país es conocido internacionalmente por eso. También todo lo relacionado con el clima y el sol, que más adelante se volvieron aspectos fundamentales en la construcción de la narrativa del pabellón. A partir de ese punto empezamos a identificar los temas que queríamos abordar. Una vez ganado el concurso, el proceso fue muy cuidado: había que definir realmente qué se cuenta y cómo se cuenta. En ese momento, el trabajo entra en otra fase, donde hay que cubrir todos los aspectos que España debe representar.
RPI: Para nosotros fue muy importante también el contexto en el que se iba a desarrollar el edificio del pabellón. ¿Cómo era la relación con el Anillo de Sou Fujimoto? Esta megaestructura de madera articula un poco la distribución de toda la exposición y también cómo se mueve la gente. Eso fue un factor muy condicionante a la hora de pensar el gesto del pabellón y cómo se relacionaba con ese anillo: cómo se iba a percibir desde allí, cómo se iba a mover la gente dentro de la Expo. Entonces, ahí había un tema muy fuerte que nos marcó mucho: cómo nos íbamos a ubicar dentro de la parcela.
AD: ¿De qué manera la consigna del concurso, "La corriente de Kuroshio", condicionó o potenció el desarrollo del proyecto?
FMG: Este lema fue el punto de partida. Fue el momento en el que sentimos que ya teníamos algo lo suficientemente claro y potente como para desarrollar la conexión entre lo que iba a ser la arquitectura y la exposición. Hasta ese momento estábamos explorando ideas, pero gracias a este hallazgo —que surgió desde el equipo de contenidos— apareció un símbolo muy claro que nos permitió articular todo el proyecto. Una de las cosas fundamentales en este tipo de edificios es que realmente tienes que contar algo muy concreto: una historia que hable de tu país, pero que también establezca una relación con otro país. Entonces, el mayor esfuerzo a nivel de contenidos fue encontrar un símbolo claro, sencillo y directo que permitiera generar esa conexión. Y en ese proceso de investigación encontramos la corriente de Kuroshio.
La corriente de Kuroshio es, en el Pacífico, el equivalente a lo que para nosotros es la corriente del Golfo. Es un elemento clave para el tránsito marítimo, la pesca y la regulación del clima. En Japón, cualquier persona sabe qué es la corriente de Kuroshio. No es un conocimiento especializado ni minoritario: es algo que se estudia en la escuela. Así que, para ellos, escuchar "Kuroshio" genera una conexión directa con su cultura.
Es una especie de autopista marítima que se ha utilizado desde Occidente para llegar a Oriente de manera eficaz y rápida. Se descubrió más o menos en el siglo XVI, y durante los siglos XVI, XVII y XVIII permitió establecer relaciones comerciales muy fructíferas entre ambos mundos. Gracias al conocimiento de esta corriente —descubierta por portugueses y españoles— se generó una ventaja comercial enorme, algo que el resto de Europa no tenía. En ese sentido, creó un vínculo mucho más estrecho entre nuestros países que el que podían tener otras naciones. Ese símbolo, que por sí solo ya es muy potente.
AD: La idea de la orilla y el océano como hilo narrativo atraviesa tanto la arquitectura como la exposición. ¿Cómo tradujeron esta metáfora en decisiones espaciales y materiales concretas?
NM: Hubo un momento clave en el que concluimos que la presencia de una plaza era no solo necesaria, sino también fundamental como espacio de encuentro. Esta plaza debía tener una dimensión performativa y lúdica, un lugar que invitara al visitante de la Expo a detenerse, permanecer y disfrutar frente al Pabellón de España. A partir de esa idea, comenzamos a trabajar en cómo gestionar el tránsito y la experiencia del público en ese espacio. Ahí surgió la noción del "ascenso" a través de una superficie azul, casi como una gran masa de agua sobre la que uno camina y que conduce hacia el sol. Esta metáfora visual, vinculada directamente con el océano, nos llevó a proponer una superficie que evocara el agua, que funcionara simbólicamente como un reflejo solar, y que permitiera a los visitantes acceder al edificio a través de ese elemento.
Se trata de una decisión muy directa y evidente, pero que también opera con un lenguaje comprensible a nivel internacional, especialmente dentro del contexto lúdico que propone una exposición universal. Esa condición entre lo horizontal y lo vertical —entre superficie y volumen— fue clave en la definición material y espacial del pabellón.
Hay una anécdota que ilustra muy bien la sintonía que se generó entre el desarrollo arquitectónico y el contenido expositivo. Mientras desde el estudio con Enorme trabajábamos en los aspectos formales de la arquitectura, Fernando y su equipo desarrollaban la narrativa de la exposición. En una reunión, él expresó que quería que la experiencia del visitante se sintiera como flotar en el agua, y para eso necesitaba que el recorrido fuera descendente. Nosotros, en cambio, veníamos trabajando en la idea opuesta: un ascenso para construir esa plaza en altura, con escalones donde la gente pudiera sentarse o circular. De ese cruce de necesidades, en apariencia opuestas, surgió una solución compartida.
Ese punto de encuentro conceptual y espacial entre el "subir" y el "bajar" fue determinante para consolidar la narrativa oceánica como experiencia arquitectónica y expositiva unificada. A partir de ahí, la relación con el océano era muy clara: entrábamos, de alguna manera, pisando el agua. El acceso resultaba directo y evidente, lo que permitía una lectura sencilla para quien lo experimenta. Y creo que eso es fundamental: transmitir esa claridad en la lectura del espacio.
AD: La narrativa simbólica —el sol, el océano y el vínculo histórico entre España y Japón— se expresa en la estructura y los recorridos. ¿Cómo diseñaron la secuencia espacial, los umbrales y el ritmo del recorrido para construir una experiencia coherente para el visitante?
FMG: Lo interesante del océano es que tiene dos caras, y de alguna manera, el proyecto también las tiene: una cara exterior —la arquitectura del edificio— y una cara interior —la exposición—. Para nosotros fue clave entender e interiorizar esa dualidad. Por un lado, está el océano como superficie visible, tranquila, contemplativa. Pero por debajo existe una maquinaria complejísima de corrientes —como la Kuroshio— que sostienen el equilibrio de los ecosistemas del planeta. Toda esa estabilidad global depende, en gran parte, de la interacción entre las corrientes marinas que recorren el mundo. Esa idea fue muy directa y poderosa para nosotros: en la superficie del edificio, el océano y el reflejo del sol como momento de poesía y contemplación; y, al sumergirse en su interior, se accede —a través del sol— a esa dimensión más profunda, donde ocurre todo lo esencial.
Durante el proceso del concurso descubrimos que en las exposiciones universales existe un concepto clave llamado visitor experience, que se refiere a cómo se estructura y se vive el recorrido. Ese fue uno de los principales enfoques que trabajamos. A partir de ahí, toda la experiencia espacial se articuló en función de esa lógica. La plaza actúa como un umbral de entrada al pabellón, y el sol, como elemento simbólico y conductor del relato, marca el inicio del recorrido. A través de ese ingreso comienza el "descenso", esa inmersión hacia el interior.
Tuvimos además la suerte de contar con un volumen muy alto y diáfano en el interior y eso nos permitió aprovechar la sensación de verticalidad y descenso, desde el centro del pabellón se generan visiones cruzadas: puedes mirar hacia abajo o hacia arriba, como cuando estás bajo el agua y ves a otros buceadores en distintos niveles. Ese efecto espacial era muy importante.
El espacio expositivo, además, es completamente azul, con un color ultramar profundo que se oscurece a medida que se desciende. Esta atmósfera inmersiva se refuerza con dos elementos fundamentales: por un lado, una serie de pantallas que funcionan como "la voz del océano" para comunicarse con el visitante, mostrando mensajes, imágenes, animales, personas. Por otro lado, una gran instalación audiovisual —una pantalla envolvente de más de 100 metros lineales— que representa las corrientes marinas y lanza mensajes sobre el equilibrio del planeta.
Todo ese primer tramo transmite un mensaje global sobre el océano. Pero a medida que se avanza y se toma contacto con el suelo, comienza un recorrido por distintas áreas que muestran las capacidades y aportes de España: investigación, inversión, conservación del patrimonio, energías renovables vinculadas al mar. Por ejemplo, hablamos de energía eólica flotante —en la que España es líder mundial en número de patentes y que, además, representa un vínculo comercial muy importante con Japón—. También se aborda el uso de inteligencia artificial en la gestión de rutas y transportes transoceánicos, que permite reducir las emisiones de carbono. O la investigación en torno a las algas, que tienen aplicaciones en alimentación, cosmética y farmacéutica, como una fuente de materia prima más sostenible que muchas otras.
Todo esto responde directamente al tema de la economía azul, uno de los ejes del concurso. Y cuando esa parte finaliza, se produce un cambio radical: pasamos de un espacio azul, profundo y oscuro a uno completamente luminoso, casi como entrar en el sol. La narrativa es clara: entramos por una orilla —la de Japón— y salimos por otra —la de España.
Este último espacio está lleno de música folclórica y de imágenes asociadas al turismo español, aunque presentadas desde una doble lectura: una digital y otra analógica. Por un lado, hay una instalación de pantallas sincronizadas en tiempo real donde se muestran publicaciones en redes sociales de personas que comparten sus viajes por España. Y por otro, una colección de postales turísticas, como las que se usaban antes. En este encuentro entre lo analógico y lo digital como una forma de reflexionar sobre el pasado y el presente. Ese cierre también conecta con el mensaje general del pabellón: entender el pasado —el vínculo histórico entre España y Japón— para proyectar un futuro basado en la sostenibilidad, el respeto al medio ambiente y la colaboración entre sociedades.
AD: La plaza mediterránea y el sol plantean en el pabellón una arquitectura abierta y relacional. ¿Cómo creen que este gesto dialoga con el contexto urbano y cultural de Osaka?
RPI: Hay algo muy bonito en cómo este gesto conecta con la sensibilidad del público japonés. Es cierto que en muchas culturas se valora el amanecer o el atardecer, pero en Japón en particular existe una apreciación muy fuerte por los fenómenos naturales y por la relación cotidiana con la naturaleza. En ese sentido, este momento algo performativo—esa experiencia de estar en la plaza frente al Pabellón— pensamos que genera una conexión emocional real, tanto con el público local como con los visitantes internacionales.
Buscamos que la plaza funcionara como un espacio de acogida para todos. Si bien parte de elementos que representan a nuestro país, también trabaja con símbolos universales, casi planetarios, con los que cualquier persona puede sentirse identificada. Y con el público japonés en particular, sentimos que hay una sintonía muy especial en esa lectura sensible del entorno.
AD: ¿Cómo fue el proceso de elección y diseño de los materiales? ¿Qué buscaban transmitir a través de ellos?
RPI: La apuesta por la artesanía fue muy importante. Para construir este "manto azul", esta superficie que evoca el agua, trabajamos intensamente con el material cerámico. Se trata de una cerámica artesanal, pero llevada a la escala arquitectónica, a la escala de una gran fachada. Eso nos pareció una forma potente de establecer un diálogo con la tradición japonesa, donde la cerámica y el trabajo manual tienen un valor cultural muy fuerte.
Para generar esa sensación de profundidad oceánica, usamos seis tonos distintos de azul que se van mezclando, y un amarillo brillante para representar el sol. En los tabiques verticales de los escalones, la cerámica es esmaltada, mientras que en las huellas hicimos una adaptación para que fuera antideslizante, pero sin renunciar al efecto visual del conjunto. Todo esto se complementa con un trabajo muy cuidado de iluminación, tanto técnica como ambiental, que ayuda a construir la atmósfera del espacio. Y esa atmósfera, creemos, es lo que hace que la plaza se haya convertido en un escenario en sí mismo. La gente lo fotografía muchísimo: ya sea haciendo cola, subiendo, caminando bajo la lluvia con paraguas, con sombrillas por el calor, o con la bruma que se activa en los momentos de altas temperaturas. Hay una intensidad en la experiencia que va más allá de lo funcional: no se trata solo de que haya bancos o zonas de descanso, que también las hay, sino de generar un espacio que se quede en la memoria, que sea inolvidable.
AD: La re-utilización fue un eje clave del proyecto. ¿Cuáles fueron los lineamientos que guiaron la elección de materiales y el sistema constructivo, sabiendo que el pabellón debía desmontarse completamente al finalizar la exposición?
NM: La re-utilización fue un aspecto fundamental en todo el desarrollo de esta Expo, porque el recinto en sí tiene que desmontarse por completo al finalizar. Por eso, desde el principio pensamos mucho en qué materiales introducir en la construcción, con la idea de que seis meses después, al terminar el evento, esos materiales pudieran reutilizarse o, al menos, reciclarse. Trabajamos con dos escenarios principales: el primero, el ideal, en el que el pabellón pueda desmontarse completamente para luego montarse en otro lugar. El pabellón es una estructura de madera de grandes luces, diseñada para desmontarse en su totalidad y poder instalarse en otro emplazamiento. Este escenario es el que consideramos más coherente y sostenible, además de que nos gustaría que el pabellón permaneciera en Japón, para evitar el impacto ambiental que implicaría transportarlo a España.
El segundo escenario contempla que, si no fuera posible reutilizarlo, el pabellón debería reciclarse. Para eso, más del 80 % de los materiales que usamos son reciclables. Esto fue muy importante para nosotros: desde el concurso, trabajamos con un consultor en circularidad para asegurarnos de usar materiales que puedan volver a la industria después de su uso.
La madera y el acero son materiales que retornan con facilidad a sus cadenas productivas. Además, incorporamos otros materiales reciclados, como paneles plásticos hechos a partir de redes oceánicas recicladas, que usamos para revestimientos y para el letrero dentro pabellón. Ese material, llamado Gravity White, es una patente española que convierte residuos reciclados en un producto nuevo. También usamos un material para la compartimentación interior fabricado con papel prensado reciclado en su última vida útil.
AD: ¿Cómo fue el proceso de trabajo entre los tres estudios? ¿Cómo se integraron las miradas y se distribuyeron los roles a lo largo del proyecto? ¿Qué aprendizajes les dejó esta colaboración?
NM: Primero, las tres oficinas nos conocemos bastante bien, y eso facilitó muchísimo el trabajo conjunto. Nos respetamos mucho las opiniones y decisiones de cada uno, y eso es fundamental para que el equipo funcione. Además, creo que aprendimos muchísimo unos de otros, que es lo más valioso cuando te asocias con otros estudios. La colaboración no solo fue repartir tareas, sino un proceso en el que cada oficina aportó desde su experiencia y, sobre todo, estuvo abierta a aprender. Desde que ganamos el concurso hasta la inauguración del pabellón, pasamos alrededor de un año y nueve meses de trabajo muy intenso, con muchos colaboradores externos tanto en Japón como en España. Pero lo principal durante todo ese tiempo fue justamente ese aprendizaje mutuo.
FMG: Lo curioso en nuestro caso fue que una gran empresa japonesa y otra española trabajaron en paralelo, no unidas para hacer lo mismo, sino de forma paralela. Esto requirió una coordinación diferente a la habitual. Esta dinámica nos dio mucho margen para hacer pruebas aquí en España, especialmente en la parte audiovisual. En estos procesos, se necesitan muchas pruebas de resolución, colorimetría y ajustes que, con una empresa japonesa, hubieran sido muy difíciles de hacer debido a la distancia y los tiempos ajustados. El poder contar con esa cercanía nos permitió reaccionar rápidamente, hacer pruebas in situ y ajustar detalles que surgen de un día para otro. Así que en la parte tecnológica tuvimos esa gran suerte, que fue fundamental para lograr la calidad y precisión que el proyecto demandaba.
RPI: Además de la relación de amistad, ha sido una colaboración muy estratégica. Obviamente, después es un placer poder disfrutar del proceso con amigos, pero el éxito del pabellón —porque llevarlo a cabo fue realmente complejo, sobre todo por la distancia y la cantidad de agentes implicados— se debe en gran parte a la confianza. Confianza entre nosotros, pero también por parte de Acción Cultural Española, que es el cliente y promotor del proyecto. Algo que aprendí mucho durante este proceso, y que creo que marcó la diferencia, fue la importancia del talento en la negociación y en la coordinación. Eso simplifica mucho las cosas. Cuando hay tantas partes implicadas, la capacidad de negociar bien es fundamental. Y si eso funciona, todo lo demás se vuelve mucho más fácil. Además de la confianza, el buen trabajo en equipo y la buena sintonía, hubo una negociación muy acertada, tanto por parte de la constructora como de nuestro equipo como líderes del diseño.
AD: ¿Cómo se articuló esa diversidad de enfoques en un proyecto común? ¿Qué creen que le aportó al resultado final?
NM: Cuando Rocío hablaba de esta condición estratégica del vínculo entre las tres oficinas, tiene mucho que ver con eso: con la capacidad que tiene cada una para entender las distintas capas de lo que teníamos sobre la mesa. La condición de lo efímero forma parte, de manera muy natural, del trabajo que hace Enorme; esa visión estratégica sobre algo que solo dura seis meses fue fundamental. En nuestro caso, desde EXTUDIO, quizás tenemos más interiorizada la obra pública, y Fernando aporta su expertise específico. Pero hay algo más que entra en juego: la permeabilidad entre las tres oficinas para comprender el objeto que teníamos entre manos. Hay un tránsito muy natural entre los enfoques de cada una hacia un objetivo común del que todos nos sentimos responsables. En algún momento, cada uno comienza a incorporar las capas discursivas que le son más propias, y eso hace que el proyecto se vuelva más rico.
