El tren es el mundo. Nosotros la humanidad. Frase que dicha dentro de la película bien pudiera resumir el mensaje que busca transmitir al público. Metáfora de la propia sociedad, “Snowpiercer” sigue los pasos de la ciencia ficción distópica más clásica, pero no por ello resulta repetitiva o carente de impacto. Todo lo contrario, transmite frescura respecto al género, una ambientación sombría y efectista, y un sentimiento de pesimismo que aun finalizada la cinta pretende concientizar al espectador y no dejarlo indiferente ante todo lo que ha visto.
La decisión de enmarcar una película dentro de un marco temporal específico ha demostrado por lo general restarle de cierta seriedad y credibilidad ante el público de generaciones venideras, sobre todo dentro del cine de ciencia ficción y de futuros catastrofistas. Aunque “Escape from New York” no es la excepción de la regla, su referencia temporal caduca obtiene un nuevo valor, pues nos permite examinar el contexto histórico en la que fue producida y sobre los fantasmas sociales en los que encontró arraigo para su argumento.
La cinta adopta un futurismo negro, que similar a la distopía (y muchas veces término utilizado como sinónimo), se refiere a un futuro hipotético donde la humanidad atraviesa una realidad más oscura que brillante. Mientras que la distopía opta por un claro enfoque donde la mayor parte de los elementos que componen la sociedad están en desequilibrio, el futurismo negro es más un sentimiento generalizado de pesimismo, donde ciertos elementos ponen en tela de juicio el desarrollo de la humanidad.
Si bien existen numerosos casos (antes y después de THX 1138) de películas clave dentro del cine posmoderno, es quizás esta misma la que por su momento histórico y contenido critico puede señalarse como una ruptura en el pensamiento funcionalista que dominaba la arquitectura de la época. Tanto teórica como socialmente existía un gran sentimiento de agobio y desencanto por el movimiento moderno. Tan solo un año después de estrenada la cinta, en marzo de 1972, se demolería el conjunto habitacional Pruitt-Igoe, obra multi premiada y basada en los postulados de Le Corbusier, simbolizando con ello el fin de una época.
El personaje de Richard B. Riddick vio su nacimiento en el año 2000 dentro de la película de bajo presupuesto “Pitch Black”, que aun con pocos medios logro captar la atención del público y la crítica mediante su estilo de humor negro gamberro y un universo espacial intrigante, que si bien no se mostraba en pantalla contextualizaba muy bien la acción dentro de la cinta. Su director, David Twohy tendría la oportunidad de llevar a la pantalla una nueva entrega del personaje de Riddick hasta cuatro años después, dándole un rumbo inesperado a la historia.
En lugar de crear una cinta siguiendo la fórmula de la original, se decantó por una expansión abrupta de sus elementos, construyendo un universo rico y palpable dentro de la pantalla. Si en el filme previo contaba con escenarios limitados y de elementos minimalistas, ahora contaba con una arquitectura detallista e intimista, exuberante y que cobraba tanto peso como los propios protagonistas en la historia.
Dentro del cine actual existe una fiebre por la adaptación de sagas literarias juveniles. “Divergent” cae dentro de esta carrera por generar una serie de películas cada vez mas rentables económicamente y hasta clonicas entre si. Su comparación con “The Hunger Games” ha menguado su originalidad debido a lo similar de su argumento, sin embargo ambas presentan características propias que las vuelven únicas y ofrecen panoramas muy distintos en cuanto a su desarrollo. Particularmente, “Divergent” muestra un contexto mas palpable y completo, lo que nos permite analizarla a profundidad.
La trama nos sitúa en una realidad cien años en el futuro. A diferencia de las realidades altamente tecnológicas o apocalípticas a las que nos tiene acostumbrada la ciencia ficción, vemos una ciudad de Chicago congelada en el tiempo. Su skyline se mantiene firme sobre el horizonte, y en el, vemos los estragos de un conflicto marcados en su estructura como si fuera una radiografía. Los caminos han sido derruidos y el gran lago Michigan ha sido desplazado por una estepa que rodea la ciudad hasta perderse en el horizonte.
El cine de acción clásico, caracterizado por altas dosis de testosterona fílmica y un estilo gamberro, encontró el final de su época a principios de la década de los noventa. Los gustos del público se enfocaron hacia cintas con efectos especiales revolucionarios, donde fantasías como “Jurasic Park” (1993) se volvían clásicos instantáneos al momento de su estreno. Y justo en dicho año, donde se produce el punto de inflexión, vemos estrenada “Demolition Man”. Pese a lo mencionado anteriormente, su acogida entre el público fue buena, en gran parte por el carácter irreverente y cómico que mostraba, casi auto paródico de la formula clásica del cine de acción, transportándonos a un futuro soso y pacifico donde solo dos hombres traídos del pasado “barbárico” de la humanidad podían corregir el rumbo de la misma a punta de pistola.
La premisa de la cinta, aunque simple, nos permite observar el proceso de evolución de la zona metropolitana de Los Angeles. En el presente (1996) se nos muestra una versión apocalíptica, una ciudad consumida por la violencia y la criminalidad donde solo la brutalidad policial logra mantener el orden al precio de convertir el territorio en un campo de batalla. Dicha situación imaginaria se basó en el alza de criminalidad que la ciudad atravesaba en la realidad y al escepticismo de hallar una solución clara para erradicarla.
Todo un clásico del cine de acción, “Total Recall” es un filme que trasciende su etiqueta de cinta comercial y cuyo mensaje va más allá del simple entretenimiento basado en la acción pura y dura. Basado en un relato del gran autor de ciencia ficción Phillip K. Dick y dirigido por el crudo y sin tapujos director Paul Verhoeven, el filme presenta un perfecto balance entre una fantasía tecnológica, una crítica social descarnada y violencia gore que no se apena de sí misma para mostrar una realidad donde la humanidad ha entrado en una espiral decadente y pesimista de la cual no parece haber salida.
La realidad de la tierra en la primera mitad de la cinta luce dentro de un futuro palpable y próximo, que sobrepoblado, ha obligado a la humanidad a tomar decisiones drásticas sobre su forma de vida. Filmada casi por completo en los estudios Churubusco de la Ciudad de México, debido a la mano de obra barata de la época, la mayoría de las locaciones que vemos en esta primera parte pertenecen a edificios emblemáticos de la propia ciudad y a la arquitectura mexicana. Dichas obras van desde la década de los sesenta hasta los noventa como una búsqueda del gobierno para integrar al país dentro de la modernidad.
Si algo ha caracterizado a lo largo de los años a la saga de videojuegos “Final Fantasy” es la profundidad de sus historias y personajes, así como el despliegue imaginativo para recrear sus mundos extraídos prácticamente de sueños. La etapa en la que estuvo a cargo Hironobu Sakaguchi, fundador de la saga, es reconocida ampliamente por explotar todos estos elementos, al grado de considerar sus trabajos como obras maestras; impecables mundos de fantasía en los que el jugador se encuentra profundamente inmerso como en la mejor de las literaturas o la más clásica cinta de cine.
Dentro de todas aquellas fantasías, quizás la que ahora es nuestro tema de análisis, resulta la más incomprendida. Ni los críticos ni el público en general la recibieron con ánimo y el hecho de que provocase la bancarrota de la compañía Square, que la produjo, la hace cargar un mayor estigma y rechazo como si se tratase de una leyenda negra.
La utopía ha sido retratada múltiples veces en el cine, pero pocas visiones han resultado tan refrescantes y han aportados nuevos paradigmas como las planteadas en el trabajo del director Neil Blomkamp. De claras obsesiones urbanas, ya en su primer largometraje “Distrito 9" nos tocaba temas tan controvertidos como la marginalidad y la explotación de clases y en “Elysium”, tema de nuestro análisis, ahonda sobre la marginalidad en nuestro modelo de hacer ciudad actual.
El punto que marca la diferencia con otras visiones utópicas/distópicas clásicas, donde el poder o la clase dominante obliga mediante la fuerza a vivir a la clase baja en un ambiente degradado y marginal, es que en “Elysium” es la población alta la que se auto segrega del grupo, construyendo un hábitat artificial donde resguardar todos sus privilegios del resto.
Dredd no es la primera adaptación de la serie de cómics homónima; ya en 1995 el director Danny Cannon y el actor Sylvester Stallone habían realizado una aproximación a la urbe caótica de “MegaCity One”, la cual estaba claramente influenciada por la estética de Blade Runner al mostrar una ciudad cubierta en oscuridad y luchas trepidantes sobre rascacielos. En comparación con dicha ambientación efectista y futurista, esta nueva adaptación nos ofrece una visión mucho más “real”, casi palpable del que pudiera ser el futuro de la humanidad.
La película inicia con la imagen de un gran desierto, una extensión inconmensurable de tierra árida donde la vida no existe. Una voz en off nos alerta de su condición radiactiva, mientras a lo lejos se vislumbra la silueta de múltiples rascacielos repartidos en el horizonte. La humanidad ha conseguido finalmente degradar su medio ambiente tras una gran guerra, resguardándose sobre la última extensión de tierra que le queda. Se refugia en su invento más grande, la ciudad, buscando consuelo y esperanza, encontrando tan solo infelicidad y conflicto en su propia creación.
Por años el cine se ha preguntado cómo serán nuestras ciudades en el futuro y, en la mayoría de los casos, el panorama no parece ser muy alegre. Las proyecciones de lo que hoy estamos haciendo no parecen entregar un mejor pronóstico; la naturaleza ha sido devastada y la tecnología ha sobrepasado al hombre, convirtiendo a las ciudades en espacios desordenados y caóticos. En las megalopolis imaginadas del futuro, el ser humano ha pasado a segundo plano y ha sido minimizado frente a grandes rascacielos y autopistas elevadas.
¿Hasta que punto se acercarán las ciudades de la ciencia ficción a la realidad? ¿Está en nuestras manos la posibilidad de cambiar el rumbo?
En el momento de su estreno, “Aeon Flux” fue duramente criticada, sobre todo por el público en general, como una mala adaptación de la serie de animación de su mismo nombre y por ofrecer una trama típica y escenas de acción sin mucha coherencia, las que en aquel entonces respondían en gran medida a la influencia que “The Matrix” había implantado al inicio de la década. Ofreciendo un análisis posterior es muy difícil debatir dichas apreciaciones, pudiendo rescatar quizás algunas actuaciones, pero por sobre todo, recalcar el gran trabajo gráfico y de arte que se realizó para la ambientación de la película.
A priori el argumento del filme obligaba a representar a una sociedad futura del siglo XXV, que tras un desastre no especificado, se veía confinada a vivir en un territorio delimitado y de apariencia paradisíaca. De los mayores aciertos fue el no caer en nociones fantasiosas, de arquitecturas imposibles y de tecnologías que desafían la lógica, sino plasmar la realidad del futuro con elementos ya existentes dentro de nuestra realidad actual.
Antes de que el director Michael Bay quedara encasillado por la taquillera pero a la vez repetitiva saga de “Transformers”, sus obras se caracterizaban por ser efectivas cintas que combinaban acción trepidante con guiones dinámicos y actuaciones que se volvían icónicas gracias a un contexto sólido y coherente. “The Island” es un ejemplo contundente de esto último, transportándonos hacia una realidad fría, mecanizada y cruel en donde el humano se ha convertido en un producto más del mercado.
Si uno asiste al visionado sin conocer a fondo los detalles de la obra, se nos presenta primeramente una sociedad humana la cual ha sobrevivido los estragos de un desastre biológico. Refugiados dentro de una enorme instalación compuesta por grandes torres departamentales, la población humana sobrevive a esta realidad con la promesa de un futuro reconstruido. Se cuentan con todos los servicios y comodidades, pero todos los aspectos de la vida están monitoreados y estrictamente controlados por una sola autoridad, quien dicta cuales acciones son más favorables para cada quien.
La decisión de que un director novato fuese quien dirigiese la continuación del film de culto “Tron”, tomó a muchos por sorpresa y marcó para siempre la calidad del producto final, en muchos planos diferentes. Por un lado, la crítica y el público coinciden en una historia simple y sin complicaciones, en la cual los protagonistas no lograban conectar con el público completamente; pero por el otro, nadie se atrevió a criticar negativamente la calidad visual de la película, la cual nos mostraba un universo perfectamente consolidado en todos sus detalles.
La poca experiencia como director de Joseph Kosinki se compensa con la de arquitecto. Uno de sus principales objetivos al llevar la cinta a su realización fue la de mantener el espíritu original de la cinta ochentera. Esta había sorprendido gracias al uso innovador de la animación digital y efectos especiales, con una estética muy geométrica y simplista debido a las limitaciones de la época. Kosinki sabía que la animación actual ofrecía recursos ilimitados, sin embargo no deseaba que el diseño se mostrase completamente orgánico. Suavizó las formas pero en todo momento mantuvo presente una fuerte presencia de la geometría pura, estableciendo así una conexión con el pasado.
El inicio de “I, Robot” nos transporta de manera elocuente, gracias al siempre meticuloso trabajo del director Alex Proyas, a una ciudad llena de movimiento y prosperidad, en donde la robótica y la inteligencia artificial ha desplazado al hombre de sus labores básicas aumentando considerablemente la eficiencia de la sociedad. Los robots son utilizados para trabajos pesados y poco valorados por el hombre moderno, como limpieza pública, mensajería y trabajos domésticos, además de convertirse en fieles ayudantes en el día a día.
Dentro de la Chicago del futuro nos encontramos con una ciudad automática, reflejada sobre todo en los medios de transporte urbanos. Gigantescas autopistas atraviesan la ciudad por sobre el nivel del suelo en segundos y terceros niveles, mezclándose con líneas de tren bala que ofrecen al hombre un método eficiente y rápido de transporte. Todas ellas lucen limpias y seguras, y los problemas de embotellamiento son un recuerdo de un siglo que se anuncia prehistórico.
Steven Spielberg es un reconocido cineasta cuyo amplio trabajo siempre se ha caracterizado por mostrar un alto estándar de calidad, no siempre perfecto pero que le da a sus películas un contexto formidable donde la fantasía puede desenvolverse sin problemas y donde el espectador es verdaderamente transportado a un mundo que casi puede tocar con la punta de sus dedos.
Para Minority Report, tres años antes de su filmación, Steven reunió a un séquito de quince expertos de amplios ámbitos como la arquitectura, ciencia computacional y biomédica, para que imaginaran como sería el mundo en el futuro. Esto desembocó en la “biblia de 2054", una guía completa de ochenta páginas donde se detallaba el funcionamiento económico, social y tecnológico que más tarde se convertiría en el contexto fílmico de la cinta.
Diseñados por Adam Moklósi, estos pabellones portátiles – llamados Chlorella – son centros de aire purificado por algas. Para funcionar, se combina la fotosíntesis de las algas con la Oxigenoterapia, generando aire fresco para los futuros entornos urbanos, cada vez más contaminados.
Más información y diagramas de funcionamiento a continuación.
De un total de 41 ideas desarrolladas por equipos de estudiantes universitarios y de institutos profesionales, el jurado del concurso de ideas Obras Públicas 2020, compuesto por representantes del MOP, la Cámara Chilena de la Construcción, el Colegio de Arquitectos, Colegio de Ingenieros, Universia e Intel eligió recientemente las 20 propuestas más innovadoras.
Las 20 propuestas seleccionadas provenientes de todo el país entran a una fase de nueva selección, buscando las 3 mejores. Para esto existe un sistema complementario de votación abierto hasta el 30 de Noviembre dirigido a las personas con el objetivo de que elijan la propuesta más importante para el futuro del país y región.
Las votaciones se pueden hacer en el siguiente link y los proyectos los mostamos después del quiebre.
