Fachadas: Las más recientes noticias y obras de arquitectura

Diseñado por Rogelio Salmona, ayer lunes el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) amaneció con un afiche en su fachada —Se arrienda—, llamando la atención de medios locales como Dinero y La W.

Este último medio contactó al teléfono registrado en el afiche y contestó un tal Carlos Muñoz, supuesto agente inmobiliario que confirmó que "los espacios del museo, que consta de 4.200 metros cuadrados, se han puesto en arriendo por un valor de $120.000.000 mensuales", equivalentes a unos 43.200 dólares. El supuesto agente inmobiliario entregaba detalles del programa del edificio como si se tratara de la venta de cualquier otro inmueble y, según confirmó el periódico Dinero, al contactarse telefónicamente con la oficina de comunicaciones del MAMBO, esta emitía un mensaje grabado confirmando que la obra de Salmona estaba en arriendo.

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Esculturas de gran formato configuran espacios donde el espectador puede sumergirse en un extenso mundo sensorial. Es una obra que apela a los cinco sentidos e invita al público a explorar su cuerpo y su mente a través de un recorrido donde el tacto, el color, el olor y las diversas maneras de habitar son la esencia del medio artístico. El punto donde el arte se fusiona con la arquitectura constituye una plataforma de interacción entre los visitantes y sensibilidad corporal con el entorno.

Ernesto Neto es un artista brasileño nacido en la década de los sesenta en Río de Janeiro. Desde muy joven se interesó por la escultura, y aunque dice haber tenido en algunos momentos incertidumbre de su futuro como artista, siempre se ha dedicado a hacer lo que más le gusta; explorar los sentidos y las diversas experiencias que el mundo natural puede dar al hombre por medio de la materia.

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Como quien salta de un avión y planea por el aire buscando el lugar ideal, cae en 2004 Paracaidista, av. Revolución 1608bis sobre el Museo Carrillo Gil en Ciudad de México. La obra comprende una estructura de gran magnitud que, sin irrumpir en el edificio, se agarra estratégicamente de su fachada y despliega un gran cascarón descendente y alargado. Es de color rojo y de forma abultada. Crece periódicamente y como un parásito se acomoda poco a poco hasta extenderse por casi toda la esquina del museo.

Cuando un organismo está débil es fácil de atacar o es propenso a adquirir una enfermedad. En ese momento el museo estaba muy abandonado y es cuando Héctor Zamora se las arregla para saltar de las maquetas, y demás experimentos en el taller, a una intervención en el exterior para crear un espacio habitable sobre otro edificio.

El arte siempre está buscando un soporte, y muchas veces lo encuentra en la arquitectura. Cubrir un muro con una obra de arte es un gesto que, de cierta manera, desprovee al soporte de su su misma naturaleza arquitectónica para dotarla de otros significados. Sin embargo, Jaime Franco es un artista colombiano cuyo trabajo de gran formato se apropia de muros para plasmar en ella espacios utópicos y mantener con los edificios un diálogo arquitectónico en varias frecuencias y lenguajes.

Un tímido acercamiento a la ingeniería le permitió a Franco hace unos años darse cuenta que, tal vez, como dice SOM, “un ingeniero debe diseñar una estructura que un arquitecto se avergüence de cubrir”. Pues, retomar sus estudios de ingeniería a través del arte lo llevó a desarrollar una gran destreza para develar la estructura detrás de toda obra. Franco considera que en todo el universo y dentro de todos los trabajos valiosos que el hombre ha hecho, en la música, en la literatura o en la pintura, siempre hay una estructura detrás que merece ser rescatada. Al respecto, Franco explica:

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Los nuevos desarrollos tecnológicos en la construcción han otorgado a los arquitectos una gran libertad a la hora de diseñar. Los materiales y sus propiedades son cada día más innovadores, permitiendo la creación de originales y sorprendentes fachadas. Los resultados incluso pueden inspirar a personas a viajar miles de kilómetros sólo para ver una de estas obras maestras. A continuación, presentamos las 15 fachadas más rupturistas de destacados fotógrafos como Paul Ott, Peter Bennetts y Laurian Ghinitoiu.

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Es junio de 1980. Alfredo Jaar, tras desertar de Arquitectura en la Universidad de Chile, camina por el centro de Santiago con largos paneles. Arrimado a la sombra de un kiosco, intercepta a los transeúntes y los entrevista. En plena dictadura militar, Jaar quiere que la gente vote. No por el plebiscito de la Constitución de ese año o por elecciones democráticas. Tampoco hay papel o lápiz para votar. No hay línea que marcar. Su voto es un dulce de menta —blanco y redondo— como la bolita de un sorteo de azar.

"¿Es usted feliz?", pregunta. "¿Cuánta gente en Chile estima usted que es feliz hoy?", pregunta en un segundo panel. "¿Y en el mundo?", pregunta Jaar en un tercer panel.

Desde principios del siglo diecinueve, bajo la influencia de Jean Nicolás Luis Durand, la composición empezó a relacionarse fuertemente a la concepción arquitectónica. En sí, esta hace referencia a la idea de pensar un proyecto acorde a los principios de regularidad y jerarquía para lograr un equilibrio. Sin embargo, la composición no parece hablar sobre el origen de la concepción del diseño, sino más bien de un proceso que se mueve entre el uso de dispositivos arquitectónicos, la adopción de procesos agregativos y de operaciones "objetivas" como mecanismos para pensar un proyecto.

K. Michael Hays, profesor de la Escuela de Arquitectura y Diseño de Harvard, habla sobre diferentes maneras de pensar la arquitectura y, aunque hace referencia constantemente a la composición, se centra en la imaginación como modo de pensar esta disciplina.

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Libro registro de la exposición de arte visual Habitabilidades Modernas presentada entre Enero a Marzo del 2017 en el Parque Cultural de Valparaíso.

Dentro del valioso patrimonio arquitectónico moderno chileno, los conjuntos habitacionales Población Subida Márquez, Zenteno, Lord Cochrane, Empart Etchevers y 7 Hermanas arman una línea de tiempo desde los años 40's a fines de los años 70's, presentando el nacimiento y apogeo de las políticas públicas con gran calidad arquitectónica, equipamiento y construcción con un fuerte sello urbano integrador. Es una época de grandes proyectos políticos que hoy nos interpelan de forma elocuente.

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Por primera vez y hasta el 27 de Octubre se exhibirá Do it en Córdoba, Argentina, una muestra de arte inspirada en el concepto 'hágalo usted mismo' basada en instrucciones ideadas por figuras como Yoko Ono, Marina Abramovic y Ai Weiwei y que son interpretadas por diversos artistas locales.

Luego de itinerar por más de 70 ciudades, el proyecto que reta a la institución, al espacio y al arte mismo, pone a Argentina en la escena mundial contando con 36 instrucciones que fueron interpretadas por artistas locales y el público, haciendo foco en la participación activa. El proyecto propone ser interminable, puede hacerse en distintas partes del mundo y tener un sinfín de repeticiones, teniendo un sentido único en cada exposición.

De esta manera y con un carácter fuertemente interactivo, cada exhibición Do it varía según el lugar en el que se desarrolla, abriendo el diálogo al contexto local y focalizando la interpretación humana en lugar de exponer copias, imágenes o reproducciones de las obras.

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Desde sus inicios, el trabajo de la artista chilena Claudia González ha estado relacionado con circuitos, tecnología y electricidad. Tuve la oportunidad de conocerla en 2009 por el interés que me generó su idea, en aquel entonces, de registrar mapeos y recorridos en la ciudad a través de circuitos electrónicos. Una nueva forma de conocer y representar el cotidiano habitar de nuestra ciudad.

En sus trabajos más recientes, Claudia González vuelve a llamar la atención, presentando esta vez estructuras de mayor dimensión que tienen una gran sintonía con lo arquitectónico. Aparatos ligeros construidos en madera que se levantan para convertirse en una nueva representación de los flujos que captan su atención últimamente. "Hidroscopia / Mapocho" y "The Water Resistance`s Laboratory Toboggans" son dos obras en las que a través de andamios, circuitos, leds, conexiones y sonido, la artista logra esta vez, capturar, representar y materializar el recorrido del agua.

Mauricio Salcedo, un joven artista colombiano que creció en Bogotá, vio desde pequeño el progreso de su familia en la transformación de su barrio, de su casa e incluso en los materiales con la que esta fue construida. "Veo los sistemas de construcción como algo que evoluciona desde un origen muy precario. Ir a una obra en algún barrio y ver como los obreros se ingenian poleas y aparatos muy rudimentarios para mover el material, para construir", comenta.

La fachada de cada casa (o edificio) cuenta en sí misma la historia de las personas que han ido levantando poco a poco cada uno de sus muros. Es un registro del tiempo, pero también del progreso de las diferentes familias y sus esfuerzos por concluirlas. "[En realidad] El absurdo está en el método. ¿A quién se le ocurre construir un mezzanine en un quinto piso cuyo techo se une con el techo del cuarto piso? Ese absurdo se da porque hay una informalidad en la construcción. La gente se salta la norma. De hecho, nosotros [mi familia] también lo hicimos", dice el artista.

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La oficina Pezo von Ellrichshausen exhibe actualmente en la Solo Galerie de París su más reciente exposición individual de pinturas. Se trata de 'Exterior', una selección de diez óleos sobre lienzos de gran formato (180 x 240 cm) y treinta acrílicos sobre papel, acompañados por la publicación del libro homónimo que reúne el catálogo completo de la dupla chileno-argentina.

Las pinturas de "Exterior" recrean espacios arquitectónicos desprovistos de cualquier ornamento. Son espacios cotidianos, pero su escala y perspectiva a veces confunde. Los protagonistas son elementos básicos y estructurales de la arquitectura -tales como muros, vigas y losas- que entran en juego con la luz del exterior.

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La artista argentina Marta Minujín ha vuelto a crear una réplica a escala real de una de las principales obras de arquitectura de la Humanidad, el Partenón de Atenas. Esta estructura se construyó a partir de 100.000 libros censurados en países de todo el mundo, como símbolo de resistencia a la represión política.

La instalación actualmente está siendo exhibida en Documenta 14 en Kassel (Alemania), y los libros fueron entregados como donaciones por ciudadanos de Argentina, Estados Unidos, Francia, Alemania, Reino Unido y España.

Con la participación de estudiantes de la Universidad de Kassel, Minujín seleccionó más de 170 libros prohibidos en países de todo el mundo. Estos libros fueron atados a la estructura metálica del Partenón con envoltorios de plástico para su protección, que al mismo tiempo, permiten que la luz natural penetre el edificio.

Camarín.- dícese del aposento individual o colectivo, donde los artistas se visten, maquillan o preparan para actuar. Frente al concepto convencional, tres cosas son reveladoras aquí. /Este “aposento individual o colectivo”, siendo un espacio tan íntimo, se descontextualiza para estar en una exposición de arte y así traslada su intimidad privada a la exhibición pública, en una doble connotación tan sobrecogedora como liberadora, una introspección extrovertida. /“…donde los artistas…” somos todos, con lo cual invita a ser artistas protagonistas por una noche o es que siempre lo somos. /“…se visten, maquillan o preparan para actuar.”, aquí se perenniza ese momento previo antes de actuar -esa soledad, sinceridad y concentración- como un importante evento final de exposición/. Y por fuera este camarín aparece, enaltece y luce como icono de esta nueva concepción.

Entremos al camarín. Sin personajes, por favor.

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Diseñar un museo siempre es un reto arquitectónico emocionante. Frecuentemente, los museos vienen con necesidades y restricciones únicas: desde el museo de arte que necesita espacios para especialistas en preservación, hasta la enorme colección que requiere espacio extensivo de archivo, e incluso la gran institución cuyo edificio patrimonial representa un reto para cualquier nueva extensión.

En honor al Día Internacional del Museo, hemos seleccionado 23 museos sobresalientes de nuestra base de datos, y cada editor de ArchDaily nos explica qué es lo que hace de estos edificios los mejores ejemplos de arquitectura de museos que hay. 

Esta es la irónica historia de cómo la escultura hecha por Federico Assler para el goce cotidiano de los transeúntes, quedó oculta por más de 40 años y aún hoy sigue instalada detrás de una pandereta de construcción. Da la casualidad que cuando llegué a vivir a Santiago, unos amigos habían arrendado una oficina en calle Villavicencio, justo frente a la escultura de Assler. Lo increíble es que precisamente ese año, el 2014, ese espacio estuvo abierto al público. Pude pasearme por su obra y sentarme en ella, descubriendo su dinámica interactiva, semejante a una plaza de juegos. Y de paso, conocer su particular pasado.